Música Del Clasicismo

MÚSICA DEL CLASICISMO

Desarrollado entre el 1750 y 1820, coincide con la época cultural y artística hoy denominada Neoclasicismo. Sus grandes centros de difusión fueron  Berlín, París, Mannheim y, sobretodo Viena.

Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto…).

Mientras que las demás artes redescubrían y copiaban en esta época los antiguos modelos grecorromanos, los muy escasos restos musicales conocidos de la música de la Antigüedad eran insuficientes para basarse en ellos, por lo que el clásico es un estilo nuevo.

Por esta misma razón, la denominación “música clásica” nunca se usó para la música grecorromana, prácticamente desconocida, y comenzó a ser utilizada por los románticos para nombrar a la música de la época que les precedió, luego, por extensión, el nombre fue usado para toda la música culta occidental anterior al siglo XX.

Características

El siglo XVIII fue el siglo de la ilustración, y su estética se trasladó al estilo musical: gusto por lo natural, lo equilibrado y lo claro; rechazo del artificio y el exceso de sofisticación de la música barroca; en la ópera, verosimilitud y cercanía al espectador de los argumentos, e integración del drama y de la música.

Además el público de la música culta se extendió de la vieja aristocracia a la pujante burguesía, lo que impulsó a los compositores a acercar su estilo al popular.

La difusión de la música aumentó y se internacionalizó, y con ella la fama de los compositores, de modo que el estilo se unificó en toda Europa.

Sus características son:

-          Uso de la textura de melodía acompañada, consiste en el predominio de la voz más aguda, que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan, sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito explícitamente (desuso del bajo continuo).

-          Melodías más cantables y simétricas.

-          Armonías muy claras y funcionales.

-          Compás muy claro y armonioso.

-          Se amplía la orquesta y se deja menos espacio para la interpretación del ejecutor.

-          Se escribe mucha más música en modo mayor (alegre) que en modo menor.

-          Uso de formas estandarizadas.

PERIODOS

A mediados del siglo XVIII convivieron diversas corrientes musicales. El rococó o “estilo Galante” ejemplificado por Johann Christian Bach (hijo de Johann Sebastian) se caracterizó por el paso de estructuras complejas a melodías claras con acompañamientos sencillos, una fusión de la claridad formal de la música francesa con las innovaciones armónicas y estructurales del estilo italiano, como las del sinfonista milanés Giovanni Battista Sammartini. En Alemania surgió el Empfindsamer stil o estilo sentimental, que buscaba la expresión directa y natural de sentimientos, y que practicaron Wilhelm Friedmann Bach y Carl Philipp Emmanuel Bach, hijos también de Johann Sebastian.

Una de las figuras decisivas en la fijación de la forma sonata fue el compositor italiano afincado en España Domenico Scarlatti. El estilo de sus obras era innovador ya que utilizaba estructuras claras, y melodías con acompañamientos cada vez más comprensibles para el oyente. Otro compositor influyente fue Christoph Willibald Gluck, reformador operístico que pretendió volver a una fusión de música y texto, restándole importancia a la improvisación de ornamentos del “bel canto” y atendiendo más a la modulación como forma de articular las escenas dramáticas.

En el campo sinfónico fue fundamental la aportación de la escuela de Manheim, cuya orquesta de corte estuvo en la vanguardia de la técnica orquestal. A esta escuela pertenecieron Johann Stamitz, Franz Xavier Richter y Carl Stamitz.

1750 a 1775

Para la década de 1750 las formas estructurales como el concierto y la sinfonía (esta originalmente mera obertura de las óperas) habían ganado la suficiente fuerza como para ser interpretadas independientemente de la música vocal, y tenían gran aceptación en las cortes.

El compositor del momento era Franz Joseph Haydn. Además de escribir sinfonías de estructura clásica, escribió sonatas para pianoforte. Fue considerado el creador del cuarteto de cuerda, pues sus obras para esta formación fijaron la forma.

Hacia 1770 surgió un estilo llamado “Sturm und Drang”, inspirado en una especie de proto-romanticismo, que en música produjo obras sinfónicas de ambiente trágico y apasionado, casi todas en modo menor, como algunas sinfonías de Haydn y Carl Philipp Emmanuel Bach.

1775 a 1790

El centro de gravedad de la música europea se situó en Viena, donde un joven compositor comienza a revolucionar la ópera y el concierto, Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque se basó en los aportes de Haydn, Mozart prefería melodías más cantables, al estilo italiano. Además en sus obras se aprecian más cromatismos y otras modificaciones armónicas. En cuanto a la instrumentación, utiliza más variedad de instrumentos, en ricas combinaciones tímbricas.

En la década de 1780 Muzio Clementi adquiere prestigio con sus sonatas y estudios para piano. Este compositor incentivó la extensión de la tesitura del instrumento.

Beethoven y el Paso al Romanticismo

Una nueva generación de compositores formada por Johann Nepomuk Hummer, Luigi Cherubini y Ludwig van Beethoven comenzó a cobrar importancia. Se complicaron acompañamientos para crear texturas más ricas, la armonía se volvió más flexible y elaborada. El piano ocupó un lugar central. Beethoven fue el que produjo los cambios más profundos en el estilo y por ello es considerado el responsable de la transición hacia el periodo más romántico.

Formas instrumentales

-          La sonata está escrita para un instrumento solitas (generalmente el piano), o bien para un piano y un segundo instrumento (violín, flauta).

-          La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas para un conjunto de tamaño medio.

-          El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.